9 reizes mākslas vēsturē iedvesmoja modes dizainerus

Linda Evangelista 'Warhol Marilyn' tērpā, ko veidojis Džanni Versace, 1991. gads; ar Yves Saint Laurent kleitu The Mondrian, 1965. gada rudens/ziemas kolekcija; un kleita no Aleksandra Makvīna kūrorta kolekcijas, 2013

Vēstures gaitā mode un māksla gāja roku rokā, radot lielisku sajaukumu. Daudzi modes dizaineri savām kolekcijām ir aizņēmušies idejas no mākslas kustībām, ļaujot mums interpretēt modi kā mākslas veidu. Galvenokārt māksla mums kalpo ideju un vīziju paušanai. Kā izsmalcināta oda mākslas vēsturei, tālāk ir sniegti deviņi valkājami mākslas darbi, ko radījuši tālredzīgie modes dizaineri.20. gadsimts.

Madlēna Vioneta: modes dizainere, kas virzīja seno vēsturi

Samotrakijas spārnotā uzvara 2. gadsimtā pirms mūsu ēras caur Luvru Parīzē

Dzimis Francijas ziemeļu centrālajā daļā 1876. Vionetas kundze bija pazīstams kā drēbnieku arhitekts.Uzturoties Romā, viņa aizrāvās ar grieķu un romiešu civilizāciju mākslu un kultūru un iedvesmojās no senajām dievietēm un statujām.Pamatojoties uz šiem mākslas darbiem, viņa veidoja sava stila estētiku un apvienoja grieķu tēlniecības un arhitektūras elementus, lai sievietes ķermenim piešķirtu jaunu dimensiju. Ar savu meistarības prasmi drapējošas un slīpas griešanas kleitas , viņa radīja revolūciju mūsdienu modē. Vionnet bieži pievērsās tādiem mākslas darbiem kā Samotrakijas spārnotā uzvara par savām radošajām kolekcijām.

Līdzība starp šedevruhellēnismamāksla un Vionē mūza ir pārsteidzošs.Dziļais auduma pārklājums grieķu hitona stilā rada vertikālas gaismas joslas, kas plūst pa figūru.Skulptūra tika izveidota kā cieņa Nike, grieķu dieviete uzvaras, un tiek apbrīnota ar reālistisku kustības attēlojumu. Vionnet dizaina plūstošās drapērijas atgādina viļņojošā auduma kustību, kas piekļaujas Nike ķermenim.Kleitas var būt kā dzīvas būtnes ar dvēseli, tāpat kā ķermenis. Kā Samotrakijas spārnotā uzvara , Vionnet radīja kleitas, kas atmodina cilvēkus. Klasicisms gan kā estētiskā, gan dizaina filozofija nodrošināja Vionet spēju ģeometriskā harmonijā nodot savu redzējumu.

Bareljefa frīzes kleita no Madeleine Vionnet , fotogrāfija Džordžs Hoiningens-Huēns franču Vogue, 1931, izmantojot Condé Nast

Vionet aizrāva arī modernās mākslas kustības, piemēram Kubisms . Viņa sāka iekļauties ģeometriskas formas savos darbos un izstrādāja citu metodi to griešanai, ko sauc par slīpo griešanu. Protams, Vioneta nekad nav apgalvojusi, ka viņa izgudroja neobjektivitāti, bet tikai paplašināja tā izmantošanu . Tā kā 20. gadsimta sākumā sievietes guva lielus panākumus cīņā par savām tiesībām, Vionete aizstāvēja viņu brīvību, no sieviešu ikdienas apģērba atceļot ilgnoturīgo Viktorijas laika korseti. Tāpēc viņa kļuva par sieviešu simbolu atbrīvošanās no krūtīm , untā vietā laida klajā jaunus, vieglākus audumus, kas bijapeld uz sieviešu ķermeņiem.

Vai jums patīk šis raksts?

Pierakstieties mūsu bezmaksas iknedēļas biļetenamPievienojies!Notiek ielāde...Pievienojies!Notiek ielāde...

Lūdzu, pārbaudiet savu iesūtni, lai aktivizētu abonementu

Paldies!

Valentīno un Hieronīms Bošs

Hieronīms Bošs Zemes prieku dārzs , 1490–1500, caur Prado muzeju Madridē

Pierpaolo Piccioli ir Valentino galvenais dizainers. Reliģiskie mākslas darbi no viduslaikiemviņu ļoti uzrunā.Viņa iedvesmas sākumpunkts ir pārejas brīdis no viduslaikiem uz ziemeļu renesansi. Viņš sadarbojās ar Zandru Rhodes un kopā viņi izstrādāja iedvesmojošu kolekciju 2017. gada pavasarī. Piccioli vēlējās savienot 70. gadu beigu panku kultūru ar humānismu un viduslaiku mākslu, tāpēc viņš devās atpakaļ pie viņa saknes un renesanse, smeļoties iedvesmu Hieronīms Bošs glezna Zemes prieku dārzs .

Slavenais holandiešu gleznotājs bija viens no ievērojamākajiem Ziemeļu renesanses pārstāvji 16. gadsimta laikā. In Zemes prieku dārzs ko Bošs gleznoja pirms reformācijas, mākslinieks vēlējās attēlot debesis un cilvēces radīšanu, pirmo kārdinājumu ar Ādamu un Ievu un elli, paredzot grēciniekus. Centrālajā panelī cilvēki, šķiet, apmierina savu apetīti baudas meklētāju pasaulē. Bosch ikonogrāfija izceļas ar savu oriģinalitāti un jutekliskumu. Visa glezna tiek interpretēta kā grēka alegorija.

Modeļi uz skrejceļa 2017. gada Valentino pavasara vasaras modes skatē Parīzes modes nedēļas laikā , 2016, Parīze, izmantojot Getty Images

Iekš modes pasaule , glezna ieguva popularitāti, jo dažādus modes dizainerus apbūra tās motīvi. Sajaucot laikmetus un estētiku, Piccioli pārinterpretēja Bosch simboli ar peldošām caurspīdīgām kleitām, savukārt Rods radīja romantiskas apdrukas un izšūtus rakstus, ar smalku mājienu oriģinālajam mākslas darbam. Krāsas noteikti bija daļa no vēstījuma, ko modes dizaineri vēlējās sniegt. Tādējādi peldošo sapņaino kleitu kolekcijas pamatā ir ābolu zaļā, gaiši rozā un robin olu zilā ziemeļu krāsu palete.

Dolce & Gabbana un Pētera Pola Rubensa baroks

Pīters Pols Rubenss Venera spoguļa priekšā , 1615, izmantojot Lihtenšteinas Princely Collections, Vīne; ar Dolce & Gabbana modes kolekcija 2020. gada rudenim/ziemai, fotografēja Nima Benati , izmantojot Nima Benati vietni

Pēteris Pols Rubenss meistarīgi apgleznojušas sievietes, ' ar mīlestību, stipendiju un centību .’ Viņš pasniedza savu Venera spoguļa priekšā kā galvenais skaistuma simbols. Rubenss izcili attēloja viņas gaišo sejas krāsu un gaišos matus, kas kontrastē ar tumšādaino kalponi. The spogulis ir galvenais skaistuma simbols , kas ierāmē sievieti kā portretu, vienlaikus smalki uzsverot figūras kailumu. Spogulis, ko Amors tur dievietei, atklāj Venēras atspulgu kā seksuālās vēlmes attēlojumu. Rubenss, kurš bija viens no dibinātājiem Baroka māksla , un viņa koncepcija, kurā krāsas ir svarīgākas par līnijām, ietekmēja vairākus modes dizainerus, tostarp Dolce & Gabbana. The Baroka stils novirzījies no gara Renesanse , atteicās no miera un gluduma un tā vietā tiecās pēc elegances, azarta un kustībām.

Peace Embracing Plenty autors Pīters Pols Rubenss , 1634, izmantojot Jēlas Britu mākslas centru Ņūheivenē; ar Dolce & Gabbana modes kolekcija 2020. gada rudenim/ziemai, fotografēja Nima Benati , izmantojot Nima Benati vietni

Modes dizaineriDomeniko Dolce un Stefano Gabana vēlējās izveidot kampaņu, kas izcels sievietes skaistuma juteklisko, bet arī romantisko pusi. Pīters Pols Rubenss bija vispiemērotākais iedvesmas avots. Ikoniskā dueta darbi lieliski saskanēja ar flāmu gleznotāja mākslu. Šajā kolekcijā modeles pozēja ar lielu cēlumu, izskatoties kā tikko izlēkušas no kādas Rubensa gleznas. Ainava tika veidota, lai atgādinātu baroka spoguļus un izšuvumu detaļas. Figūru graciozitāte un pasteļtoņu palete lieliski izcēla brokāta rozā kleitu. Modes dizaineru izvēle iekļaut dažādus modeļus vēl vairāk veicināja šī laikmeta ķermeņa tipu. Dolce un Gabbana izmantotās izliektās līnijas bija pret dažādu ķermeņa tipu diskrimināciju modes industrijā.

Pētera Pola Rubensa portrets Austrijas Annas portretam , 1621-25, caur Rijksmuseum Amsterdamā; ar Modele Lūseta van Bīka uz Dolce & Gabbana skrejceļa, 2012. gada rudens , fotografēja Vittorio Zunino Celotto, izmantojot Getty Images

Dolce un Gabbana 2012. gada rudens sieviešu kolekcija atspoguļo daudzas Itālijas baroka arhitektūras iezīmes. Šī kolekcija lieliski sakrīt ar ļoti greznajām īpašībām Sicīlijas baroka stils . Modes dizaineri koncentrējās uz baroka arhitektūru, kas redzama Sicīlijas katoļu baznīcās. Atskaites punkts bija Rubensa glezna Austrijas Annas portrets . Viņā karaliskais portrets , Anna no Austrijas ir pārstāvēta ar spāņu modes apģērbu. Annas melna kleita ir dekorēta , ar vertikālām zaļu izšuvumu sloksnēm un zelta detaļām. Zvana formas piedurkne, kas pazīstama kā Spāņu lielpiedurkne ir arī spāņu stila paraksts, kā arī volānveida mežģīņu apkakle. Mākslinieciski izstrādātas kleitas un apmetņi, kas izgatavoti no grezniem tekstilizstrādājumiem, piemēram, mežģīnēm un brokāta, nozaga Dolce un Gabbana šovu.

Mākslas un modes vēsture: El Greko manierisms un Kristobals Balenciaga

El Greko Fernando Nino de Gevara (Domenikos Theotokopoulos), 1600, izmantojot The Met Museum, Ņujorka

Kristofers Balenciaga varētu raksturot kā īstu modes meistaru, kas 20. gadsimtā reformēja sieviešu modi. Dzimis mazā Spānijas ciematā, viņš ir pārnesis Spānijas mākslas vēstures būtību savos mūsdienu dizainos. Visas savas karjeras laikā Balenciaga iespaidoja Spāņu renesanse . Viņš bieži meklēja iedvesmu Spānijas karaliskajos apgabalos un garīdzniecības locekļos. Balenciaga pārveidoja laikmeta baznīcas priekšmetus un klostera apģērbus valkājamos modes šedevros.

Viens no viņa lielākajiem iedvesmas avotiem bija manierists El Greko, pazīstams arī kā Dominikos Theotokopoulos. Skatoties uz El Greco's Kardināls Fernando Nino de Gevara , pastāv līdzība starp kardināla apmetni un Balenciaga dizainu. Gleznā attēlots spāņu kardināls Fernando Ninjo de Gevara no El Greko laika Toledo. El Greko idejas tika atvasinātas no itāļu renesanses neoplatonisma, un šajā portretā viņš pasniedz kardinālu kā Dieva žēlastības simbolu . Manierisms ir klātesošs visā gleznā. Tas ir pamanāms iegarenajā figūrā ar mazo galvu, graciozajās, bet dīvainajās ekstremitātēs, intensīvajās krāsās un klasisko mēru un proporciju noraidīšanā.

Modele sarkanā vakarmētelī Cristóbal Balenciaga, Parīzes modes nedēļa, 1954–1955, izmantojot Google Arts and Culture

Balenciaga aizraušanās ar vēsturisko apģērbu ir acīmredzama šajā ekstravagantajā vakarmētelī no viņa 1954. gada kolekcijas. Viņam bija vīzija un spējas no jauna izgudrot formas mūsdienu modē . Šī mēteļa pārspīlētā apkakle atkārto kardināla apmetņa somu. Sarkanā krāsa kardināla apģērbā simbolizē asinis un viņa gatavību mirt par ticību. Koši sarkano krāsu slavenais dizainers uzskatīja par neparastu, jo viņš bieži deva priekšroku drosmīgām krāsu kombinācijām un spilgtām nokrāsām. Viņa lieliskais jauninājums bija vidukļa līnijas likvidēšana un gludu līniju, vienkāršu griezumu un trīs ceturtdaļu garu piedurkņu ieviešana. To darot, Balenciaga radīja revolūciju sieviešu modē.

Dizainere iepazīstināja arī ar piedurknēm līdz rokassprādzei, kas ļāva sievietēm demonstrēt savas rotaslietas. 1960. gados, kamēr pakāpeniska sieviešu ieviešana darba nozarē Balenciaga radās ideja sniegt komfortu, brīvību un funkcionalitāti sievietēm, kuras viņš ģērbj. Viņš popularizēja brīvas, ērtas kleitas, kas bija pretstatā tā laika cieši pieguļošajiem siluetiem.

Aleksandra Makvīna un Gustava Klimta simbolika

Gustava Klimta izpildījums , 1905, caur MAK – Lietišķās mākslas muzejs, Vīne; ar Aleksandra Makvīna kleita no kūrorta kolekcijas , 2013, izmantojot Vogue Magazine

Austriešu gleznotājs, meistars Simbolisms , un Vīnes dibinātājs Secesija kustība, Gustavs Klimts iezīmēja 20. gadsimta mākslas vēsturi. Viņa gleznas un mākslinieciskā estētika jau sen ir bijusi iedvesma modes dizaineriem . Cita starpā, piemēram, Akvilano Rimoldi, L’Wren Scott un Christian Dior, dizainers, kurš tieši atsaucās uz Klimtu, bija Aleksandrs Makvīns. Kūrorta kolekcijā 2013. gada pavasara/vasaras kolekcijai viņš izstrādāja unikāli darbi, kurus, šķiet, iedvesmojuši gleznotāja darbi . Skatoties uz plīvojoši melno kleitu ar atkārtotu zelta rakstu virspusē – varētu ienākt prātā kāda konkrēta glezna. Makvīns pieņēma abstraktus, ģeometriskus un mozaīkas rakstus bronzas un zelta toņos, iekļaujot tos savos dizainos.

1905. gadā Gustavs Klimts gleznoja Piepildīšana , attēlots pāris, kas noķerts maigā apskāvienā, kas kļuva par mīlestības simbolu. Austriešu gleznotājs ir slavens ar savām zelta gleznām, kā arī ar perfektu abstrakcijas un krāsu sajaukumu šajos darbos. Visām mozaīkām ir piesātināti zelta toņi ar kaleidoskopiskiem vai dabas radītiem rotājumiem, kas ļoti ietekmējuši modi. Šī glezna ir dinamiska, pateicoties kontrastējošām ģeometriskām formām starp abu mīlētāju apģērbiem. Vīrieša apģērbā ir melni, balti un pelēki kvadrāti, savukārt sievietes kleitu rotā ovāli apļi un ziedu motīvi. Tādā veidā Klimts meistarīgi ilustrē atšķirību starp vīrišķību un sievišķību .

Kristians Diors, The Sapņu dizainers, Un Kloda Monē Impresionisma gleznas

Kloda Monē Mākslinieka dārzs Givernijā , 1900, izmantojot Parīzes Dekoratīvās mākslas muzeju

Dibinātājs Impresionisms un viens no izcilākajiem franču gleznotājiem mākslas vēsturē, Klods Monē atstāja lielu māksliniecisko darbu. Izmantojot savas mājas un dārzu Dživernī, lai gūtu iedvesmu, Monē savās gleznās iemūžināja dabas ainavu. Konkrēti, gleznā nosauktā Mākslinieka dārzs Givernī, viņam izdevās manipulēt ar dabas ainavu savām vajadzībām. Brūnā dubļainā ceļa kontrasts pret košo ziedu krāsu papildina ainu. Slavenais impresionists bieži izvēlējās īrisa ziedu purpursarkanās krāsas dēļ, lai radītu spilgtas saules efektu. Šī glezna ir dzīvības pilna, jo ziedi zied un aptver pavasari. Rožu un ceriņu ziedlapiņas, īrisi un jasmīns ir daļa no krāsainas paradīzes, kas attēlotas uz balta audekla.

Miss Dior kleita no Christian Dior Haute Couture , 1949, caur Dekoratīvās mākslas muzeju Parīzē

Tādā pašā garā, Kristians Diors , franču modes celmlauzis, modes pasaulē atstāja milzīgu zīmi, kas jūtama joprojām. 1949. gadā viņš izstrādāja Haute Couture kolekciju pavasara/vasaras sezonai. Viens no šīs izstādes akcentiem bija ikoniskā Dior jaunkundze kleita, pilnībā izšūta ar ziedu ziedlapiņām dažādos rozā un violetos toņos. Dior lieliski ilustrēja abas mākslas un modes pasaules un atdarināja Monē estētiku šajā funkcionālajā kleitā. Viņš mēdza daudz laika pavadīt laukos, zīmējot savās kolekcijas dārzs Granvilā , tāpat kā Monē. Tādā veidā viņš definēja eleganto 'Dior' stilu , savos darbos iekļaujot Monē krāsu paleti un ziedu rakstus.

Īvs Senlorāns, Mondriāns un De Stijls

Pjeta Mondriāna kompozīcija ar sarkanu, zilu un dzeltenu, 1930, izmantojot Kunsthaus Cīrihes muzeju; ar Īva Senlorāna kleita Mondrian , 1965. gada rudens/ziemas kolekcija, izmantojot Met muzeju Ņujorkā

Mondriāns bija viens no pirmajiem māksliniekiem, kas 20. gadsimtā gleznoja abstrakto mākslu. Dzimis Nīderlandē 1872. gadā, viņš aizsāka visu mākslas kustību, ko sauca par Stils . Kustības mērķis bija apvienot mūsdienu mākslu un dzīvi . Stils, kas pazīstams arī kā neoplastisms, bija abstraktās mākslas veids, kurā, izmantojot tikai ģeometriskos principus un pamatkrāsas, piemēram, sarkano, zilo un dzelteno, tika apvienotas ar neitrālām krāsām (melns, pelēks un balts). Mondriana novatoriskais 1900. gadu sākuma stils lika modes dizaineriem atkārtot šo tīro abstraktās mākslas veidu. Labākais De Stijl gleznas piemērs ir Sastāvs ar sarkano zilo un dzelteno krāsu .

Būdams mākslas cienītājs, franču modes dizainers Īvs Senlorāns iekļāva Mondriāna gleznas savos augstās modes darbos. Pirmo reizi viņu iedvesmojis Mondriāns, lasot grāmatu par mākslinieka dzīvi, ko māte viņam uzdāvināja Ziemassvētkos.

Mondriana kleitas Īva Senlorāna Modernās mākslas muzejā, 1966, izmantojot Khan Academy

Īvs Senlorāns pat teica: ''Mondriāns ir tīrība, un glezniecībā tālāk nevar iet. Divdesmitā gadsimta šedevrs ir Mondriāns.

Dizainers izrādīja savu atzinību Mondrianam savā 1965. gada rudens kolekcijā, kas pazīstama kā The Mondrian kolekcija . Iedvesmojoties no gleznotāja ģeometriskajām līnijām un drosmīgām krāsām, viņš prezentēja sešas kokteiļkleitas iezīmēja viņa ikonisko stilu un sešdesmito gadu laikmets kopumā. Katrs no Mondrian kleitas nedaudz atšķīrās, taču viņiem visiem bija kopīga vienkāršā A-līnijas forma un bezpiedurkņu garums līdz ceļiem, kas glaimoja katram ķermeņa tipam.

Elza Skjaparelli un Salvadors Dalī

Trīs jaunas sirreālistes, kas rokās tur Salvadora Dalī orķestra ādas ,1936, izmantojot Dali muzeju Sanktpēterburgā, Floridā

Dzimis 1890. gadā aristokrātiskā ģimenē Romā, Elza Šiaparelli drīz vien pauda savu mīlestību pret modes pasauli. Viņa sāka attīstīt savu revolucionāro stilu, iedvesmojoties no futūrisma, Dadaists , un Sirreālisms . Karjeras gaitā viņa savienots ar labi pazīstamiem sirreālistiem un dadaistiem, piemēram, Salvadoru Dalī, Manu Reju, Marsels Dišāns , un Žans Kokto. Viņa pat sadarbojās ar spāņu mākslinieku Salvadoru Dalī. Viņa estētiskais un sirreālistiskais absurds padarīja Dali par slavenāko gleznotāju pasaulē Sirreālisma kustība .

Elzas Šiaparelli un Salvadora Dalī kleita asaras , 1938, izmantojot Viktorijas un Alberta muzeju Londonā

Viens no lielākajiem sadarbību modes vēsturē bija Dalī un Elzas Šiaparelli. Šī kleita tika radīta kopā ar Salvadors Dalī , kā daļa no Schiaparelli 1938. gada vasaras kolekcijas Cirks. Kleita atsaucas uz Dalī gleznu, kurā viņš attēloja sievietes ar saplēstu miesu.

Salvadora Dalī un Elzas Šiaparelli fotogrāfija , ap 1949. gadu, izmantojot Dalī muzeju

Sirreālisma māksliniekiem ideālās sievietes meklējumi bija lemti neveiksmei , jo ideāls pastāvēja tikai viņu iztēlē, nevis realitātē. Tomēr Dalī nodoms nebija tāds attēlo sievietes reāli, tāpēc viņu ķermenis nepavisam nav estētiski pievilcīgs. Schiaparelli vēlējās eksperimentēt ar šo ķermeņa slēpšanas un atklāšanas spēli, radot ievainojamības un atmaskošanas ilūziju. Asaru ilūzijas kleita tika izgatavots no gaiši zila zīda krepa, un Dalī apdruku veidoja tā, lai tā atgādinātu trīs sievietes no viņa gleznas. Asaras atklāj auduma rozā apakšpusi, bet caurumos atklājas tumšāka rozā krāsa.

Modes dizaineri un popmāksla: Džanni Versace un Endijs Vorhols

Endija Vorhola Merilina Diptihs , 1962, caur Tate, Londona

The Popmāksla laikmets, iespējams, bija ietekmīgākais periods modes dizaineriem un māksliniekiem mākslas vēsturē. Endijs Vorhols aizsācis popkultūras un augstās modes apvienojumu, kas padarīja viņu par ikonu popārta kustības simbols . Sešdesmitajos gados Vorhols sāka praktizēt savu parakstu tehniku, kas pazīstama kā sietspiede.

Viens no viņa agrākajiem un neapšaubāmi slavenākajiem darbiem bija Merilinas diptihs . Šim mākslas darbam viņš smēlies iedvesmu ne tikai no popkultūras, bet arī no mākslas vēstures un abstraktā ekspresionisma gleznotājiem. Vorhols sagūstīja abas pasaules Marily Monroe, Holivudas zvaigznes sabiedriskā dzīve un Normas Žanas, sievietes, kura cīnījās ar depresiju un atkarību, traģiskā realitāte. Diptihs pastiprina vibrāciju kreisajā pusē, bet labajā pusē tas izgaist tumsā un neskaidrībā. Mēģinot prezentēt patērētāju un materiālisma sabiedrību , viņš attēloja indivīdus kā produktus, nevis cilvēkus.

Linda Evangelista Džanni Versačes 'Warhol Marilyn' kleitā , 1991. gads

Itāļu dizainerim Džanni Versače bija a ilgstoša draudzība ar Endiju Vorholu. Abus vīriešus apbūra populārā kultūra. Lai pieminētu Vorholu, Versace viņam veltīja savu 1991. gada pavasara/vasaras kolekciju. Vienā no kleitām bija Vorholas Merilinas Monro apdrukas. Viņš uz svārkiem un lielkleitiem iekļāva spilgtas krāsas, sietspiedes Merilinas un Džeimsa Dīna portretus, kas radušies 1960. gados.